Aiwaska habla de alquimia musical, música nueva y contemplación artística

El productor nominado al GRAMMY se sumerge en la creación de la imagen del carnaval brasileño en su último single con Milletrax, mientras reflexiona sobre el camino recorrido desde su segundo LP, ‘Truth & Love’, la exploración de la creatividad con otros artistas, sus décadas de carrera y mucho más.

El misterio y el anonimato de Aiwaska no impidieron que el veterano DJ y productor trotamundos se entregara a una conversación con nosotros, en la que repasa la evolución de su carrera. Aunque lleva más de treinta años prosperando en la escena, se puso la máscara en 2026 para emprender sus proyectos musicales y sociales. Con dos LP en su catálogo y una larga lista de EP y singles que se han ganado el corazón tanto de sus fans como de grandes figuras del EDM, Aiwaska sigue ampliando su repertorio.

Su último lanzamiento es ‘Nena’, junto a Milletrax, ya disponible a través del sello Adesso Music de Junior Jack. Es una mezcla reposada de instrumentación latina y percusión envolvente, arrastrada por fragmentos vocales que anuncian una atmósfera de grooves bañados por el sol. El single llega después de su aclamado segundo LP, ‘Truth & Love’, incluido en los sets de artistas como Acid Pauli, Adriatique, Vintage Culture, Paco Osuna, Claptone y muchos más.

Aiwaska está atravesando un momento imparable, y tuvimos la oportunidad de conversar sobre la alquimia musical con sus colaboradores, la búsqueda de profundidad interior en medio de incontables tendencias y transformaciones musicales, sus próximas colaboraciones con Tiger Stripes, Akira Arasawa y Shapov, el desarrollo de Aiwaska Planet y mucho más.

Enhorabuena por el próximo lanzamiento de tu single, ‘Nena’, con Milletrax. ¿Qué puedes contarnos sobre el proceso de creación del tema?

AIWASKA: Para mí, la cuestión de crear este tema es, en última instancia, una pregunta sobre la naturaleza misma de la música. Cada vez estoy más convencido de que la música no nace en el momento de la composición; ya existe dentro de un orden más profundo de la realidad, y el compositor simplemente entra en una determinada correspondencia interior con ese orden. No estábamos creando Nena tanto como intentando descubrir una forma que ya estaba presente en la arquitectura invisible del sonido.

Lo que nos interesaba era la unión de la música electrónica y los instrumentos en directo, no como un experimento técnico, sino como el encuentro de dos principios. El sonido electrónico posee la cualidad del tiempo cristalizado, mientras que el instrumento en directo lleva consigo el aliento de la vida orgánica. Su encuentro se parece a la unión de la piedra y la luz, la materia y el ritmo, la ley y la libertad.

La imagen del carnaval brasileño nunca fue para nosotros un tema decorativo; era el símbolo de un misterio ancestral. El carnaval es el momento en que la estructura familiar del mundo se disuelve para que pueda revelarse un orden más profundo. Lo que exteriormente parece locura puede ser, en el interior, la liberación de fuerzas vitales. Queríamos evocar precisamente ese estado en el que la alegría deja de ser una simple emoción y se convierte en un impulso cósmico capaz de derribar los muros interiores que confinan al ser humano.

Siempre he percibido la música como la construcción de un templo invisible. Cada tema es una piedra que debe ser tallada, purificada de lo accidental y colocada en su posición correcta dentro de la geometría sagrada de la obra. En ese sentido, Nena no es una historia sobre la celebración; es una exploración de cómo el ritmo puede despertar en una persona el recuerdo de una plenitud original.

Esta es vuestra segunda colaboración con Milletrax; ¿fue diferente la experiencia al crear cada tema?

AIWASKA: Para ser precisos, esta es en realidad nuestra tercera colaboración, y todavía quedan varios lanzamientos más por llegar. Sin embargo, el número en sí tiene poca importancia frente al principio de la colaboración. Una verdadera colaboración no es la suma de dos autores; es la aparición de un tercer espacio en el que ambos participantes dejan de pertenecerse únicamente a sí mismos.

Milletrax y yo somos amigos íntimos desde hace muchos años, y es precisamente esa amistad la que ha creado entre nosotros una confianza excepcional en lo desconocido. Me atraen los instrumentos en directo inusuales, las inflexiones tonales inesperadas y los elementos sonoros que aún no han entrado en el vocabulario convencional de la música. Milletrax, por su parte, posee un profundo sentido de la forma, la estructura y la presencia densa y viva del sonido analógico. Si habláramos en el lenguaje de los antiguos constructores, uno de nosotros busca la piedra, mientras el otro entiende la ley del arco.

Cada uno de nuestros temas es diferente del anterior porque nos negamos a repetir una fórmula descubierta. La repetición puede producir oficio, pero no conduce a la iniciación. Entramos conscientemente en un territorio en el que no se puede garantizar ningún resultado. Es precisamente ahí donde nace la música viva.

Lo más importante para mí es que nuestro trabajo se parece a un proceso alquímico. El material original siempre es imperfecto, pero mediante una interacción prolongada, la duda, la disolución y la reconstrucción, poco a poco empieza a revelar su propia forma interior. En ese sentido, la música se asemeja a dar forma a la piedra en bruto: la tarea del artista no es imponer su voluntad sobre la materia, sino liberar la arquitectura que se oculta dentro de ella.

Por eso, cada colaboración se convierte en algo más que una nueva composición; se convierte en otra etapa de una obra interior de construcción. Y quizá eso sea lo que hace que el proceso resulte tan fascinante: nunca sabemos qué puerta abrirá la próxima piedra colocada en los cimientos del templo que aún está por construir.

‘Nena’ llega después del lanzamiento de tu segundo LP, ‘Truth & Love’. Casi un mes después de su publicación, ¿cómo ha sido la recepción del álbum entre tus fans y tu público?

AIWASKA: No percibo un álbum como una colección de temas, sino como un organismo vivo. Cada composición tiene su propio propósito, su propio ritmo y su propia función espiritual. Lo que más me importaba era comprobar que estas piezas no se limitaban a encontrar oyentes; encontraban personas con las que entraban en una especie de resonancia interior.

En este álbum coexisten distintas fuerzas: electro, melodías orientales, composiciones orientadas al club y formas experimentales. Sin embargo, la diversidad de géneros nunca fue el objetivo. Al contrario, eran distintas facetas de una misma búsqueda: la búsqueda de la verdad y el amor como dos principios fundamentales de la conciencia. La verdad sin amor se convierte en una geometría fría, mientras que el amor sin verdad se disuelve en la falta de forma. La música nace en el punto en que estos dos principios se encuentran.

Me animó profundamente ver que varios temas encontraban una expresión especialmente potente en los sets de Acid Pauli, Paco Osuna, Claptone, Adriatique, Vintage Culture, Sasha Carassi, Fideles, Joris Voorn, Joyce Muniz, Samantha Loveridge y muchos otros artistas. Las composiciones inspiradas en Oriente resonaron con fuerza en TikTok e Instagram, generando más de cinco millones de impresiones. Pero aún más importante fue presenciar el momento en que la música empezó a vivir su propia vida.

El viaje más inesperado fue el del tema electro que creamos junto a Milletrax. Su estructura inusual, el uso del silencio y su carácter vocal lo transformaron en una especie de piedra angular oculta dentro del álbum. A veces, la obra que parece entrañar el mayor riesgo se convierte en la piedra que completa el arco. Este tema conectó con personas en pistas de baile y paisajes culturales completamente distintos porque no habla al gusto, sino a una memoria más profunda del ritmo que existe bajo la propia cultura.

¿Qué puedes contarnos sobre la creación y producción de ‘Truth & Love’?

AIWASKA: Crear un álbum siempre me ha parecido construir una catedral. Un tema individual puede ser una hermosa columna o una vidriera, pero solo el conjunto revela la visión del arquitecto. Un álbum exige un estado de conciencia diferente porque no se construye alrededor de una sola impresión; se construye alrededor de un viaje interior.

Para mí, Truth & Love fue un intento de crear un espacio de iniciación. Cada composición debía convertirse no en un episodio, sino en un paso a lo largo de un camino. El oyente atraviesa distintos estados —duda, tensión, liberación, silencio, éxtasis— y poco a poco empieza a escuchar no solo la música, sino también algo dentro de sí mismo.

Por eso era esencial para mí reunir distintos géneros y músicos diferentes. Los lenguajes musicales distintivos son como piedras diferentes dentro del mismo templo. Su propósito no es ser idénticos, sino servir a una misma proporción, a una misma armonía subyacente.

El hecho de que el álbum se publique en mi propio sello me dio un tipo de libertad muy particular. Cuando un artista ya no está gobernado por expectativas externas, puede seguir la ley interior de la propia obra. Para mí, esto es fundamental. El arte no debería estar gobernado por el mercado, sino por lo que los antiguos maestros llamaban medida y número. Es a través de la medida y el número como nace la verdadera forma.

Estoy convencido de que una obra de arte genuina empieza a emerger cuando el autor deja de ser su dueño y se convierte en su servidor. El álbum no me pertenece; simplemente participé en el proceso de su revelación. Y si posee algún sentido de plenitud, no se debe a mi voluntad, sino a esa armonía invisible que siempre precede a la creación humana.

¿Cómo fue la experiencia de colaborar con Prana Flow, G.Zamora y Thomas Gandey en el álbum?

AIWASKA: No percibo la colaboración como una simple combinación de habilidades profesionales. Una verdadera colaboración solo surge cuando varias personas se convierten en participantes de un trabajo interior compartido. En las tradiciones antiguas, el taller no era simplemente un lugar donde se creaban objetos; era un lugar donde el propio creador se transformaba a través del proceso. La música conserva este principio ancestral.

Prana Flow, G. Zamora y Thomas Gandey no son simplemente músicos; son personas que poseen el valor de adentrarse en el reino de lo desconocido. Lo que nos conecta no es un estilo concreto, sino una comprensión compartida de la creatividad como forma de explorar la conciencia. Cada uno aportó su propio lenguaje al proceso, pero el objetivo no era preservar nuestra separación, sino descubrir un orden superior en el que las voces individuales se convierten en instrumentos de una composición mayor.

Siempre me atrae trabajar con personas que no tienen miedo de cuestionar y disolver sus propias formas establecidas. Porque solo mediante la destrucción de aquello que se ha completado puede revelarse algo inacabado. Y es precisamente en lo inacabado donde existe la posibilidad de la revelación.

¿Qué aprendiste de estas colaboraciones que llevarás a futuros proyectos?

AIWASKA: Me enseñaron que la mayor ilusión que puede tener un artista es creer que ya conoce los límites de su propio lenguaje. Cada vez que cruzamos la frontera de lo familiar, no nos encontramos con el vacío; entramos en un nuevo campo de existencia.

Cada vez creo más que el flujo creativo no puede controlarse en el sentido habitual de la palabra. Solo se puede hacer posible. Del mismo modo que un arquitecto no crea la ley de la gravedad, sino que construye en armonía con ella, un artista no crea la inspiración; más bien, construye una arquitectura interior capaz de recibirla.

Precisamente por eso, el viaje del tema “Love & Truth” fue tan profundo para mí. Originalmente lo imaginé como una introducción contemplativa —casi como un umbral por el que el oyente entraría en el mundo interior del álbum—. Sin embargo, durante el proceso se transformó en una potente composición para la pista de baile. Se convirtió en una lección de humildad. La obra reveló que poseía su propia dirección, más allá de mi intención original.

A veces, una semilla que percibimos como una simple flor ornamental lleva dentro el potencial de convertirse en un árbol capaz de transformar todo un paisaje. El papel del artista no es imponer una forma predeterminada a la creación, sino tener el valor de permitir que esa posibilidad oculta se revele.

¿Qué hace que una colaboración sea verdaderamente fascinante para ti?

AIWASKA: Para mí, una colaboración solo cobra verdadera vida cuando está conectada con una búsqueda compartida de la verdad. Cuando las personas se unen únicamente por el resultado, crean una estructura. Pero cuando se unen con espíritu de descubrimiento, crean un organismo.

Me atraen los músicos que no están atados a su propio ego. El ego construye muros de forma natural, mientras que el arte exige construir puentes. Una verdadera colaboración se parece al antiguo trabajo del escultor, en el que cada persona da forma a su propia piedra, pero nadie reclama la propiedad de la escultura.

Es en ese momento cuando empieza a emerger lo que yo llamo alquimia musical. Es un estado en el que ya no se puede determinar a quién pertenecía la idea original, porque la propia idea ha trascendido al individuo y se ha convertido en parte del espacio entre las personas. En ese punto, la música deja de ser una mera expresión de la personalidad y se convierte en la manifestación de una ley mayor —un principio que se revela como algo más poderoso que la voluntad individual—.

En comparación con tu proceso creativo para el disco de 2025, ‘Flora Fauna’, ¿hubo alguna diferencia de enfoque al hacer ‘Truth & Love’?

AIWASKA: No me gusta comparar obras de arte, porque cada creación pertenece a una etapa concreta de una biografía interior. A menudo creemos que el creador sigue siendo la misma persona durante todo el viaje, pero es una ilusión. La conciencia se encuentra en un proceso constante de muerte y renacimiento.

Existe una imagen ancestral de la piedra sin tallar y la piedra perfeccionada. No son dos objetos separados, sino dos estados de un mismo ser. La misma transformación tiene lugar dentro del ser humano. Cada álbum terminado le arrebata al artista una forma de existencia y exige el surgimiento de otra.

Por tanto, “Flora Fauna” y “Truth & Love” no son simplemente capítulos consecutivos de una historia; son dos iniciaciones diferentes. Un álbum es un diálogo con la naturaleza como organismo vivo del mundo, mientras que el otro explora la polaridad interior de la verdad y el amor como principios fundamentales del desarrollo espiritual.

Creo que un artista nunca debería intentar repetirse. La repetición fortalece la personalidad, pero debilita el espíritu. El arte debe seguir siendo un camino de transformación, no simplemente un registro de la biografía.

En tu larga carrera de tres décadas en la industria musical, ¿qué tendencias o evoluciones te han divertido más?

AIWASKA: A lo largo de treinta años he presenciado incontables transformaciones: la evolución de la tecnología, el cambio en la estructura de la industria, la aceleración de la difusión de la música y las formas en que la gente la experimenta. Sin embargo, cuanto más ha cambiado el mundo exterior, más claramente se ha revelado una verdad: en última instancia, los seres humanos no buscan sonido; buscan significado.

Las propias tendencias musicales no me sorprenden. Lo que me fascina es la rapidez con la que la civilización empieza a adorar sus instrumentos mientras olvida su propósito. La tecnología es un martillo magnífico, pero el martillo no sabe nada del templo que debe ayudar a construir.

Hoy, mi principio rector es extraordinariamente sencillo: crear música de tal manera que ayude a una persona a recordar su propia profundidad interior. Si una obra no expande la conciencia, sigue siendo solo entretenimiento. El entretenimiento puede proporcionar placer, pero no transforma la arquitectura del ser humano interior.

Creo que el verdadero arte debe devolver a la humanidad su capacidad de contemplación. Porque es a través de la contemplación como nace la responsabilidad, y sin responsabilidad no se puede construir ningún futuro con sentido.

¿Qué podemos esperar de ti en los próximos meses?

AIWASKA: En la superficie, habrá nuevos lanzamientos y nuevos proyectos, pero interiormente percibo este próximo periodo como la continuación de un camino mayor.

Se están preparando colaboraciones con Tiger Stripes; por fin se ha completado un EP con el músico japonés Akira Arasawa, que incluye un potente remix de Alican, y en otoño llegará una nueva colaboración con Shapov. Cada uno de estos proyectos tiene su propia identidad sonora, pero todos están unidos por una intención común: explorar nuevas formas de conciencia musical.

Una dirección especialmente significativa para mí es el desarrollo continuo de Aiwaska Planet. Actualmente estamos creando una nueva fragancia, y a mucha gente le sorprende que la música y el aroma existan dentro del mismo universo artístico. Sin embargo, en las antiguas tradiciones mistéricas, el sonido, la fragancia, la luz y el espacio nunca se percibían como elementos separados. Se consideraban partes de una arquitectura unificada de la percepción.

Por eso, durante mis actuaciones utilizo composiciones aromáticas creadas especialmente para la ocasión. El aroma tiene la capacidad de despertar capas de la memoria que permanecen inaccesibles para el intelecto. Se convierte en una dimensión invisible de la experiencia musical.

La nueva fragancia estará dedicada a los Grandes Arquitectos del Mundo. Para mí, esta imagen representa el principio eterno de la creación, mediante el cual el caos se convierte gradualmente en cosmos. Cada ser humano lleva dentro la imagen de un arquitecto interior. Pero ese arquitecto solo empieza a hablar cuando una persona deja de construir únicamente el mundo exterior y comienza el trabajo más profundo de construirse a sí misma.

También estamos desarrollando activamente la visualización digital de nuestro universo, con el fin de revelar más profundamente la filosofía del proyecto y llamar la atención sobre nuestra misión esencial: apoyar el medioambiente y proteger a los animales salvajes.

Creo que el arte del futuro no solo debe ser estético, sino también ético. Debe crear formas capaces de sanar la separación entre la humanidad, la naturaleza y el fundamento espiritual de la existencia. Si la música no se convierte en un acto de amor, sigue siendo solo sonido. Pero cuando se convierte en un acto de amor, se transforma en la construcción de una imagen invisible: la imagen que la humanidad lleva construyendo desde el principio de los tiempos.

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